« Le rythme et la justesse sont déjà les composantes principales du jeu de l’acteur, du scénario et de la mise en scène », dit Agnès Jaoui. Elle  connaît la chanson : elle en a fait la preuve avec gourmandise, de ses complices participations aux films d’Alain Resnais, au rôle de prof de chant qu’elle a tenu dans son premier long-métrage. Elle connaît la chanson : la comédienne-scénariste-réalisatrice a appris dès quinze ans le chant classique, puis baroque. Soprano dramatique, elle a l’oreille nomade et le goût latino : boléro et bossa, fado et flamenco rythment en scène et en studio sa passion-chanson. Premières amours, amour toujours.

Les chansons d'Albin de la Simone sont des bulles lumineuses à la plume exigeante et aux mélodies raffinées. Elles content d'une poésie piquante des histoires de vie, entre légèreté et pesanteur étrange, fragilité et force. Quand il ne collabore pas avec les autres (Souchon, Vanessa Paradis, Keren Ann, Iggy Pop ou encore le pianiste Alexandre Tharaud), Albin parcourt une rivière parallèle en prenant à contre-courant les codes de la chanson française, mêlant sans complexes les rythmes et les atmosphères les plus contradictoires.

Après 80 concerts solo, suivis de concerts-laboratoires au CENTQUATRE dans le cadre de sa résidence, il nous livre aujourd'hui dans le cadre de 2 concerts les 7 et 8 juin à l'Atelier 6, en acoustique accompagné d’une violoniste et d’une violoncelliste, les chansons de son prochain album (à paraître début 2013) : des compositions qui laissent place à une nouvelle forme de maturité du musicien.

Discrètement mais sûrement, François Audrain s’est fait une place à part dans la chanson électro hexagonale. Parce que son univers électronique à lui est teinté d’intimisme, que ces sonorités réputées froides se réchauffent au timbre grave de sa voix, à ses chroniques oniriques, à ses mélodies hypnotiques. Machines et cordes tissent ensemble sa chanson doucement envoûtante - l’Audrain touch.

Bande originale du film "Brendan et le secret de Kells" composée par Bruno Coulais. L'histoire du film : C'est en irlande au 9ème siècle, dans l'abbaye fortifiée de Kells, que vit Brendan, un jeune moine de 12 ans. Avec les autres frères, Brendan aide à la construction d'une enceinte pour protéger l'abbaye des assauts réguliers des vikings. Sa rencontre avec Frère Aidan, célèbre maître enlumineur et "gardien" d'un Livre d'enluminures fabuleux mais inachevé, va l'entraîner dans de fantastiques aventures. Aidan va initier Brendan à l'art de l'enluminure pour lequel le jeune garçon révélera un talent prodigieux. Pour finir le livre et défiant ses propres peurs, Brendan sortira de l'abbaye pour la première fois et entrera dans la forêt enchantée où de dangereuses créatures mythiques se cachent et l'attendent. C'est là qu'il va rencontrer Aisling, la jeune enfant loup qui l'aidera tout au long de son chemin. Brendan va-t-il réussir sa mission malgré les hordes de vikings qui se rapprochent ? Pourra t-il prouver que l'art est la meilleure fortification contre les barbares ?

INDIGNADOS est le témoignage de ce qui se passe aujourd’hui, et nous plonge dans la réalité dense et palpable d’une Europe révoltée.
Au coeur de l’actualité, au sein même des mouvements des Indignés, nous découvrons, à travers le regard et le voyage de Betty, jeune clandestine africaine, des hommes et femmes qui se dressent face à un système, pour juste pouvoir vivre.

Vincent (Patrick Bruel), la quarantaine triomphante, va être père pour la première fois. Invité à dîner chez Élisabeth (Valérie Benguigui) et Pierre (Charles Berling), sa soeur et son beau-frère, il y retrouve Claude (Guillaume de Tonquédec), un ami d’enfance.
En attendant l’arrivée d’Anna (Judith El Zein), sa jeune épouse éternellement en retard, on le presse de questions sur sa future paternité dans la bonne humeur générale... Mais quand on demande à Vincent s’il a déjà choisi un prénom pour l’enfant à naître, sa réponse plonge la famille dans le chaos.

Le triomphe théâtrale de la saison dernière (250 représentations et 6 nominations aux Molières) adapté au cinéma !

Ben Howard est un jeune artiste qui parviendrait à vous faire croire qu’il est le premier troubadour que vous n’ayez jamais entendu. Il insuffle tant de fraîcheur au genre et lui redonne un tel lustre que l’on s’imaginerait presque qu’il s’agit d’un courant musical inédit, et cela même si ses chansons recèlent une sagesse et une authenticité élémentaires vieilles comme le monde.

Ben Howard est en quelque sorte un petit prodige de la guitare qui a acquis l’art de gratter, pincer et marteler son instrument à des fins purement mélodiques.

« Bienvenue à Toulouse/You’re welcome al paìs/Bienvenue à Toulouse/You’re welcome al paradìs »… Bienvenue chez les Bombes 2 Bal, à la fête des épousailles entre dansante langue d’oc et brûlant forró nordestin. Fête permanente depuis la rencontre de Lise Arbiol et Aurélie Neuville avec Claude Sicre, l’un des Fabulous Trobadors, qui a donné naissance à ce groupe de bal pour toutes générations. Bal indigène pour grand-mères et pitchounets, musiques de tous bois et de toutes cordes, cabreta aveyronnaise et tympanon pyrénéen, ektara bengali ou zabumba nordestin… Pour danser, et vivre ensemble.

Duo singulier pour musique plurielle. Bum, c’est le batteur Cyril Atef, qui joue aussi de la voix et des mots. Cello, c’est le violoncelliste Vincent Segal. Une histoire de peaux et de cordes, de voiles et de cordages pour voyager loin, explorer des ailleurs, dessiner des inédits sonores et rythmiques. Improvisateurs sorciers sur scène, savamment cinglés en studio, les Bumcello brothers marient pop et rock, punk et funk, soul et metal, boléro et raga, électro et steel drums, world et rap… A eux deux, ils font naître une musique animale et sophistiquée ; organique, onirique, orgiaque.

Un chant d’oiseau, un oiseau rare, un volatile voyageur. Constance Amiot est née en Côte d’Ivoire de parents français, a passé son enfance au Cameroun, vécu dans le Maryland américain avant de s’installer à Paris. Retour aux sources ? Pas vraiment ; la nomade boit à toutes les fontaines qu’offre le chemin des rêveurs. Après le piano des débuts et le groupe rock du collège, elle confie à sa guitare acoustique ses ballades en deux langues, son folk songeur : envol d’oiseau et chant de fée.

Il a beaucoup bourlingué, comme représentant de commerce puis comme musicien, tendance punk, penchant indus. Manu Da Silva dessine désormais sa propre empreinte buissonnière, entre rock et grattes claires, voix rude et mots doux. Il y a du marin chez lui : sa guitare s’appelle Mouette, ses chansons font la traversée des apparences, il trace son sillage entre haute et basse mer, entre averse et éclaircie. Fin chroniqueur des changeantes météos humaines et des bourrasques amoureuses, il guette les beaux jours à venir comme de nouveaux rivages. Da Silva, ou la rock altitude.

Des années 70 qui ont vu ses débuts, Benedictus Albertus Annegarn, dit Dick, réinvente le meilleur : les musiques qui font l’amour pas la guerre, les mots-sésames, les frontières ouvertes aux esprits assortis. C’est tout lui - voix nomade, éclusier européen, citoyen libertaire du monde. Pendant que les enfants d’hier apprennent aux enfants de demain Ubu et Bébé éléphant, lui poursuit ses voyages de port gascon en oasis marocaine, balisant son parcours de chansons magiciennes. Sorcier, sourcier.

Il y a dix ans de cela Vincent Frèrebeau s’aménageait un petit coin de jardin au sein d’une multinationale. Avec un peu de terreau humain et une main réputée verte, ce jardinier du disque se mit à cultiver une poignée de semences à l’abri des enjeux macro économiques d’une industrie devenue otage de ses profits. Sans les engrais et les artifices qui augmentent le rendement, mais mutilent le goût, il commença par repiquer des boutures; l’une était un Fersen solitarius ; les autres pouvaient se passer de tuteurs puisqu’on les appelait Têtes Raides. Venu du pays des tulipes, l’Annegarn rendait pas mal non plus. Vincent sema aussi de nouvelles graines qui fructifièrent plus tôt que tard (si bien qu’aujourd’hui la seule idée de croquer un Delerm, de mordre dans une Cherhal, met l’eau à la bouche). La marotte de Vincent en émerveilla certains. Elle rendit d’autres jaloux. Ceux qui avaient oublié combien la France reste éperdument amoureuse de ses jardins secrets. Ceux qui ignorent encore que ce pays est incapable de trouver la révélation divine de l’existence ailleurs que dans les surfaces les plus réduites : une assiette, un lit, un potager, une chanson...

D’abord, c’est une voix qui ne vous quittera plus jamais. Dès qu’elle entre en contact avec l’atmosphère, il se produit comme une effervescente chimique, puis un phénomène émotionnel rarement observé et dont les conséquences, personne ne s’en plaindra, sont de l’ordre de l’irrémédiable. Une voix au grain ensorcelant, couchée sur des chansons sans frontières précises, affranchies des habituelles balises du folk qui sont pourtant leurs repères d’origine.

Fonde par Alexander Minchenko en 2004, l’Ensemble de solistes "Cyrillique" represente un sextuor compose de chanteurs d’opéra, tous promus du Conservatoire National de Saint-Petersbourg N.A.Rimsky-Korsakov qui ont une grande expérience de récitals dans les salles de concerts et sur la scene d’opéra. Ce groupe vocal a pour objectif de porter a travers l’Europe la culture musicale russe.

" Le point sur Robert ", à première vue, c'est le point sur Fabrice Luchini, mais pas dans le sens photographique de " faire le point ". C'est tout le contraire. Il nous parle de lui, certes, avec parfois force détails, mais l'image de lui-même qu'il est censé présenter ne prend forme que dans le révélateur, au sens chimique et photographique du terme, des auteurs dont il est la voix. C'est pourquoi il n'y a pas un Robert, mais une multitude, allant de Paul Valéry à La Fontaine, de Roland Barthes à Rimbaud : il est dans ce spectacle le lien direct et indirect entre eux, il incarne à sa manière la descendance des uns vis-à-vis des autres. Il dit. Nous les écoutons. C'est aussi simple que cela.

Fin 2008, Fabrice Mauss décide de mettre fin à l’aventure du groupe "Mauss". Il contacte Da Silva qui après l’écoute de quatre maquettes guitare-voix décide de réaliser le futur album. Quatre titres sont enregistrés au Studio Labomatic en juillet et en septembre Vincent Frèrebeau signe le projet.

Drôles de troubadours que ces deux-là. De l’amour courtois d’antan, éclos à Toulouse, ils font un amour citoyen, sorti de la Cour pour danser sur les places ; et rendent son pouvoir partageur à la musique populaire. Les chansons des trouvères et des grand-mères boivent à la source de jouvence du hip-hop, inspirent les nouveaux refrains de Claude Sicre et les alchimies sonores d’Ange B.  Brésil, New York ou Londres, la sono mondiale a rendez-vous dans la ville rose pour enfiévrer les fabuleux duels de tchatche des Trobadors d’aujourd’hui.

Depuis sa Kabylie natale, Mohand Saïd Fellag a vu du pays. Surtout, il a fait voir son pays. Au travers du théâtre, sa passion d’enfance, il a mis seul en scène l’Algérie, le désarroi de son peuple devant l’incendie islamiste, ses solutions inventives aux difficultés quotidiennes, sa musique et sa poésie telles qu’elles résonnent dans la casbah d’Alger. Désespoir, espérance, humour et fraternité : des dizaines de milliers de spectateurs se trouvent ressemblants dans le miroir de Fellag, et se rassemblent sur ses tournées, en France et dans les pays francophones.

Il parle couramment la langue des chats, invente un pays nommé Malidor où l’imagination est souveraine, redessine d’une plume singulière les contours de l’art pop : mélodies à l’élégance british, sonorités alliant avec audace le rock au folk et l’acoustique à l’électrique, séduction féline de la voix, style subtilement lettré. Sur ses albums et sur d’autres (dont ceux de Vanessa Paradis), Franck Monnet s’impose comme un des meilleurs auteurs-compositeurs contemporains. 

Elle appartient à l’aristocratie des interprètes, mais aussi à celle des muses. Sa voix précise et soyeuse, sa personnalité lumineuse et secrète attirent les créateurs de France et de plus loin : Dominique A dont elle fut, à ses débuts, la « deuxième voix », puis Philippe Katerine, Yann Tiersen, Herman Düne, Joey Burns de Calexico… Entre autres complices de renom. Françoiz Breut, chanteuse et illustratrice, illustre leurs chansons avec ses couleurs à elle, encre et aquarelle, gravité et clarté. Prenante empreinte.

Peu connu du grand public, Freddy Koella  est  pourtant depuis dix ans parmi les guitaristes les plus sollicités en France et aux Etats-Unis. Des artistes aussi divers que Willy Deville, Bob Dylan, Lhasa, Zachary Richard, Dick Annegarn, Carla Bruni et Francis Cabrel ont fait appel à  ses talents que ce soit en studio ou sur scène, chacun trouvant son bonheur dans sa guitare: fluidité, désir, invention, poésie... Certains y ont même déniché de l’or, comme  dans les années 80 quand Freddy faisait partie du groupe français Cookie Dingler qui décrocha un gigantesque tube avec Femme Libérée, vendu à plus d’un million d’exemplaires. S’il assume aujourd’hui sans réticence  cette lointaine péripétie, c’est qu’il a depuis vécu nombre d’expériences autrement riches sur le plan artistique, que ce soit dans le sillage des artistes déjà cités ou en solo. Sur Undone, son second album instrumental, celui qui se tient  habituellement dans l’ombre des têtes d’affiche nous révèle l’intimité de son univers musical, « son jardin secret » comme il dit. En dix morceaux, aussi épurés qu’enchanteurs, il nous invite à le suivre dans une suite de rêveries à la croisée du blues, du folk, du jazz, de la musique minimaliste, hors des sentiers battus et hors du temps.

James Delleck  est la première signature rap de tôt Ou tard. Il vient de Vitry, matrice du hip-hop français, y a fait son apprentissage du micro et de la dance, fait désormais danser les mots dans un espace bien à lui. Il a zappé le stade de la chrysalide pour déployer d’un coup son envergure de papillon. Bon vol.

Naguère révélation aux Victoires de la Musique, Jeanne Cherhal a confirmé en beauté les promesses de ses débuts. Elle a coupé ses couettes mais gardé son piano, s’est mise à la guitare, a déployé sa plume et sa voix : thèmes malicieux et/ou audacieux traités avec une allègre maîtrise, chant et contre-chant allurés, aériens… Sur scène comme en studio, le charme Cherhal joue et gagne avec une enthousiasmante insolence.

Des Privés et des Innocents, des albums de groupes et des sessions en solo, des coups de main et des accolades, des B.O. de films, des reprises en duo - ainsi va la carrière en long métrage de Nataf, entre tonus rock et dentelle pop, douceurs de sucre et noirceurs secrètes. A l’assaut de la Grande Ourse, la guitare de JP réécrit la musique des sphères.

Lorsqu’on lui demande pourquoi la lettre L… Raphaële Lannadère répond "C’est évidemment l’initiale de mon nom, mais pas seulement. C’est aussi, par le seul fruit du hasard, celle des noms de famille de tous mes grands-parents. C’est une lettre présente dans mon prénom et empreinte de féminité. C’est également un roman de Romain Gary, Lady L., une chanson de Babx – compagnon de longue date - et bien d’autres choses encore...".
Manière de dire qu’il peut s’en cacher, des choses, et qu’il peut s’en tramer, des histoires, derrière une simple initiale. Et on ne s’étonne pas, alors, de voir s’épanouir tout un univers sous le titre d’Initiale, son premier album. Un univers couleur crépuscule, pétri des visions et des chimères de son auteur-compositeur, où se mêlent les mirages persistants du réel et les vérités flottantes de l’irréel.


Né en 1425 j'ai été décoré par les croisés car j'avais conquis seul Saint Jean d'Acre en mimant un éléphant de combat.

Je disparais pendant deux cent ans et je réapparais au café du commerce vers Vierzon le 16 juillet 1653, et je prends un porto.

Plus rien pendant  300 ans, en 1953, on m'aperçoit aux côtés de Kroutchev un missile à la main.
Et je nais enfin en 1971, il était temps, en pleine guerre froide, ce qui m'a bien terrorisé.

Il s’est élancé à San Francisco, a grandi et est mort à Montréal, son chant nomade. Lhasa, Lhasa de Sela – père mexicain, mère américaine, sœurs artistes de cirque – nous a quittés mais sa voix demeure la voix la plus ensorcelante de la chanson d’aujourd’hui (mais elle paraît millénaire), et de partout : en elle résonnent l’Amérique du Sud et l’Europe de l’Est, le blues profond et le duende gitan, des tempos de fièvre et de feu. Avec la route pour guide et le rêve pour partition.

Il joue de plein d’instruments différents, Mathieu Boogaerts, il joue des mots aussi, de leur sens et de leur son, il joue du reggae et des comptines, il joue avec Dick Annegarn et aime aussi Alain Souchon, il écrit en Afrique ou alors en Europe, il colorie des ciels et dessine des princesses, il invente une chanson ronde comme un bonbon, claire comme un cristal, petit bijou d’autant plus précieux qu’il paraît simple. Voilà : Boogaerts est un artiste simple et précieux.

Il ne sait pas d’où ça lui vient ces chansons.
Ni où ça va.
C’est fait de tout petits riens.

Son expérience de la scène se limite aux concerts qu’il va voir. Il espère qu’un jour un inconscient chantera ses textes à sa place.
Et puis un beau jour, on ne sait trop ni comment ni pourquoi, il rencontre Vincent Frèrebeau du label Tôt ou Tard. Au lieu de l’encourager à ne pas continuer, celui-ci le dissuade d’abandonner. Il le signe même. Une sorte de malentendu.
Mais olive est content : c’est son label préféré, avec Pierre Desproges dedans ! Et surtout avec plein d’artistes encore en vie qu’il aime vraiment beaucoup. Parmi eux, il y a Da Silva. Justement c’est lui qui va réaliser son album. Il l’enregistre en novembre 2007 au studio de Dominique Ledudal.
A cette occasion il découvre qu’une guitare, ça s’accorde et que chanter, c’est un métier.

Olive est de plus en plus content et moi aussi.

Power trio parisien dégageant une sensualité électrique et froide, Pamela Hute a su créer un univers raffiné à l’atmosphère douce-amère. Pamela Hute offre des compositions à la fois saturées et mélodiques, aux guitares rageuses, aux synthés discoïdes et tout bonnement fous, solidement campées sur le drum-kit minimal et impeccable d’Ernst Lo. Mené par une voix qui incise, transporte, berce, serre les tripes, le groupe maîtrise une musique aussi vorace qu’anémique, aussi enthousiaste que désenchantée. Une voix, celle de Pamela, qui porte tout simplement en elle cet éclat de sincérité qui vous rend familiers des sentiments inconnus. On parle d’eux comme d’un savant mélange de la grisaille de Placebo période Nancy Boy et de l’efficacité décadente Brit-pop des 90’s. Si le shoegaze est littéralement l’art de mater ses pompes magnétiquement collées à un arsenal de pédales pour toujours plus d’experimentations sonores; alors Igor, l’homme des machines, est le maître incontesté de ce qu’on pourrait appeler le fingergaze.

Le succès international généré par la sortie de "Close to Paradise" (2006) a permis au groupe montréalais d’effectuer une tournée de deux ans; l’album "Wooden Arms" est en quelque sorte l’histoire, en mots et en musique, de ce périple qui les a conduits aux quatre coins du globe.
 
Que ce soit avec le son piano-bicyclette de Beijing, avec la chaleur de la Nouvelle-Orléans dans Big Bird in a Small Cage ou encore avec l’envoûtante valse à saveur européenne qu’est la chanson-titre, on ne peut faire autrement, en écoutant Wooden Arms, que de se sentir transporté sur la route avec le groupe – une route palpitante, parfois plus calme, mais jamais ennuyante…

Il n’y a pas de masculin au mot fée ? Il va falloir en inventer un pour Peter von Poehl, surgi en Europe du Nord, doté d’une guitare -baguette magique pour métamorphoser la vieille folk-song en « fairy tale » fatal, et la chanson binaire en aurore boréale. D’où sort-il ces mélodies imparables, ces sonorités fraîches comme des étoiles de givre, ces ballades de baladin enchantant un monde contemporain  ? Pour le savoir, rendez-vous sous l’arbre à thé.

Ce qu’il y a de bien avec Pierre Desproges (artiste dégagé, 1939-1988), c’est que ses mots ne sont pas morts. Ce qu’il y a de moins bien, c’est que le cancer est bien vivant. Cancer de la haine ordinaire, des mal-polis, des bien nantis… Thérapie indispensable, plus efficace que les chimios et les tisanes : les chroniques, réquisitoires, scènes live, tranches de vie au vitriol d’un humoriste assez peu adepte du politiquement correct. Rien qu’à entendre sa voix de timide audacieux, ses petits rires qui toussent, sa rhétorique impeccable et implacable, on vit plus heureux en attendant la mort.

Ses deux premiers albums, Leave No Trace (2004) et Tearing Sky (2006), avaient révélé un musicien cultivant un jardin éminemment personnel, à l’abri des vents tournants de la mode et à bonne distance des productions standardisées du folk, du blues ou du rock. Aujourd’hui, Two Grains of Sand apporte cette évidence : Piers Faccini vit seul sur une terre que, par la grâce de l’expérience, il a su rendre encore plus féconde, plus généreuse.

Nous voilà dorénavant rassurés sur le devenir du rock espagnol : avec POLOCK on tient sans aucun doute une future référence indie pop. Ces 5 jeunes hommes ont été éduqués par les Strokes et l’electro pop de Friendly Fire. En ressort ce premier single « Fireworks », une summer pop mélodique qui n’a rien à envier aux Versaillais de Phoenix !

Il y a des gens pour qui la chanson est un art mineur, une forme limitée, voire un moyen d'expression éculé et rétrograde. Il y a aussi des gens qui, sous prétexte de vouloir la vendre au plus grand nombre, ne la traitent plus que comme un vulgaire produit de série, déclinable à l'infini. Alors la chanson, forcément, éprouve parfois un méchant coup de blues ; car elle se sent bien mal considérée. Heureusement, il lui arrive aussi de tomber entre les mains de personnes généreuses et éclairées, qui savent l'aimer sans préjugés et la faire vibrer comme au premier jour. Robin Leduc est de ces bonnes âmes qui redonnent du cœur, de la verdeur et de la noblesse à la chanson, cette belle dame sans âge. Et aussi un peu de cette douce insolence dont elle ne devrait au fond jamais se départir.

Cet album "Sous les arbres" – le premier de la québécoise Salomé Leclerc – vient de loin, en particulier de plusieurs années d’apprentissage. Après des études de production télévisuelle, et avoir pour la première fois affronté les feux de la rampe derrière une batterie, c’est à la guitare que la jeune femme assure des premières parties, participe à plusieurs concours et festivals (finaliste au Festival international de la chanson de Granby), et se produit à trois reprises aux Francofolies de Montréal, fait exceptionnel pour une artiste qui n’a pas de disque au catalogue. Pour des tas de bonnes raisons, tester ses chansons en public, apprivoiser la scène, vaincre sa timidité, la chanteuse fonctionne alors à rebours de l’époque, décidée à ne rejoindre un studio que lorsqu’elle se sentira prête.

Seun Kuti est le plus jeune fils de Fela Anikulapo Kuti. Seun Anikulapo Kuti a commencé à apprendre le sax et le piano à l'âge de 8 ans et a fait ses premiers pas sur scène à 9 ans avec son père. Fela Anikulapo Kuti était le musicien le plus populaire du Nigéria, renommé pour ses chansons épinglant  la junte militaire et les politiciens vénaux de son pays. Fela a créé un nouveau modèle de la musique, l' Afrobeat, qui a dominé la scène populaire de musique à Lagos depuis le début des années 70.
Seun Kuti est accompagné par le groupe de son père Egyt 80.
Avec son premier album "Many things", Seun Kuti insuffle une vie nouvelle à l'Afrobeat et à l'héritage de son père.

Shaka Ponk est né entre Paris et Berlin au début des années 2000 d’un concept associant musique, images et activisme. C’est aujourd’hui un groupe à part entière qui s’inscrit dans la lignée d’un rock alternatif pugnace et volontiers bruitiste initié par Rage Against The Machine. Quoique fausser compagnie aux étiquetages soit une autre de ses caractéristiques. Pour Shaka Ponk il ne saurait y avoir en effet de meilleure stratégie pour exprimer ce qui lui tient à coeur que d’utiliser à son profit, quitte à les détourner, les prouesses de la machine, qu’il s’agisse de sons optimisés par l’informatique ou de l’usage de personnages virtuels. Mais Shaka Ponk c’est aussi, et avant tout, une aventure collective.

C’est une des fiertés du label tôt Ou tard d’avoir convié Stanley Beckford à graver en studio sa mémoire du mento. Le mento, c’est l’ancêtre rural jamaïcain du ska et du reggae. Longtemps discret, Stanley Beckford l’a finalement fait connaître bien au-delà de son île avant de disparaître prématurément, le 30 mars 2007. Il reste l’interprète généreux d’une musique sensuelle, malicieuse et vigilante qui a fait de beaux enfants. 

Il a fallu un an d’écriture, de sessions d’enregistrement et de postproduction pour aboutir à cet album fervent et grave, sombre et semé de taches de soleil. Toujours Têtes Raides, avec des ciels rouillés et des rages bitumeuses, mais aussi Têtes Raides renouvelé, avec plus d’espoirs et de fraternités que jamais.

"I want you" est un album concept de reprises de chansons intitulées "I Want you", à l'origine interprétées par des artistes aussi variés que Dean Martin, Kiss, Bob Dylan, Tom Waits ou encore Elvis Costello et ici interprétées par le groupe "The Wantones". Derrière ce nom des musiciens et artistes que vous connaissez : Jp Nataf, Albin de la Simone, Bertrand Bonello, Pascal Colomb, Bernard Viguié, Harry Vederci, Philippe Entressangle, Christopher Board, John Christopher Jacq + Wantones guest : Julie Gasnier.

On cherche toujours un responsable de la naissance de la nouvelle nouvelle nouvelle, etc, chanson française. Nul doute que Thomas Fersen, dès son premier bal (un Bal des oiseaux) y a été pour quelque chose. Il ne tient peut-être pas à endosser la paternité et de la vieille dame, et de ses jeunes collègues ; disons plutôt, alors, qu’il a renouvelé l’art mineur, y a glissé des folies, des fables, des noirceurs, des bêtes pas bêtes, des hommes bizarres, des femmes fatalement fatales, et des ukulélés. Lui a une préférence pour  le ukulélé soprano, qu’il juge teigneux. N’en concluons pas hâtivement que Fersen l’est également. Surprenant, en revanche, il ne cesse de l’être.

toto Ou tartare est une collection de livres-disques et de disques-livres pour enfants éditée en collaboration avec Actes sud.

10 volumes sont déjà disponibles : Le quartier enchantant et Des nouvelles du quartier enchantant des Fabulous Trobadors et Bombes 2 Bal, Le mystère des couleurs, Le Peuple des Dunes et Billie et les rois de la nuit par Da Silva, Soleilman par Dick Annegarn, Quand on arrive à Malidor de Franck Monnet, Le stylo à cancre et Le Zarbi Zoo d'Olive et moi et A la bonne étoile de Constance Amiot.

Depuis 97, ce quatuor bruxellois ne cesse de redonner du souffle au rock européen, et quel souffle : une vraie tempête. Rock, mais aussi folk, mais encore pop, et bien sûr blues, Venus enfièvre les sons, chante (en anglais) d’une voix impérieuse, enivre basse, guitares et violon, bouge et bouscule tout, idées tièdes et tempos mous. Les salles et les oreilles sont en transe. Rien de plus revigorant que des amours vénusiennes…

De ses débuts piano-voix à ses concerts avec groupe, il y a toujours du théâtre dans la chanson de Vincent Delerm. Du cabaret dans ses personnages à double fond. Du cinéma dans ses images, dans ses rythmes. Il joue avec les formes, et avec les couleurs ; dessine une distance, un certain silence autour de ses mots. L’air tranquille, il chante l’intranquillité…

Wave Machines est un groupe d’hurluberlus anglais qui réussit l’exploit de la double vague, l’effet Kiss Cool : "Wave" dans le patronyme et dans le titre de son album. Une merveille au long cours qui est partie en guerre ouverte contre le vague à l’âme : Wave If You’re Really There. Un premier album aux allures insolentes de best-of, compilation de mille intentions, propositions et diversions, jamais crâneuses, vaines ou stériles : strictement au service de chansons dont on sent bien qu’elles tiendraient encore fièrement debout débarrassées de leurs prodigieux et insolites arrangements, délivrées de leur amusante cuirasse pour n’être jouées qu’à la guitare sèche, voire au kazoo.

La force claire de sa voix est à elle seule une musique. Ses chansons voyagent au fil des langues et des pays, d’Israël à Paris. Piano classique, pop paternelle, prédilection pour le jazz et le folk, autant d’empreintes lumineuses et légères qui vibrent dans ces ballades limpides, et dans la sobre esthétique des arrangements de David Donatien.